Cumpliendo 25 años: los músicos hablan sobre algunos de sus discos favoritos de 1997

Dec 19, 2023

Algunos años parecen tener un halo a su alrededor: 1969, 1971, 1991, 2001: todos han producido algunos de los álbumes más influyentes y aclamados de todos los tiempos. Pero cuando se abordan las discusiones sobre estos años, hay uno que inevitablemente queda fuera de la lista. 1997 posee la distinción, quizás más que todos esos otros años, de ser un año completo de crisol de culturas. No había una estética rectora, ni adherencia a un género. Se sentía como si estuviéramos experimentando algo verdaderamente histórico, un momento en el tiempo en el que artistas como Radiohead, Ween, Bob Dylan, Company Flow, Daft Punk, Erykah Badu, Missy Elliott y Steve Earle competían por toda nuestra atención.

Pero la importancia de 1997 va mucho más allá del consumo de música de la persona promedio. Este año brindó inspiración para artistas tanto nuevos como establecidos, ofreciendo una visión previamente desconocida de posibilidades aún no imaginadas. Ahora que estamos trabajando en el 25 aniversario de 1997, nos pareció correcto mirar hacia atrás y discutir algunos de los álbumes que se han convertido en hitos, no solo del género, sino de historias enteras de la música. Llegaremos a la retrospectiva de 1997 de Beats Per Minute, pero primero, parecía apropiado dejar que los músicos expresaran su opinión. Nos acercamos a algunos artistas y les pedimos que miraran hacia atrás y eligieran un álbum de 1997 que los inspirara, ya sea en su vida personal o en la forma en que abordaron su música. Y tenían mucho que decir.

[Ninguno/Circuito Mundial]

Las estrellas debieron estar seriamente alineadas cuando el productor Nick Gold, el ingeniero Jerry Boys y los músicos Joachim y Ry Cooder llegaron a La Habana, Cuba en 1996. Originalmente el plan era tener una sesión de grabación cubana y africana, pero cuando los músicos de Malí no pudieron Debido a la burocracia, el proyecto cambió de enfoque. No es gran cosa, ¿verdad? Gracias al oído curioso de Ry Cooder y la habilidad del director de orquesta cubano Juan de Marcos González para encontrar un elenco increíble de músicos locales alguna vez olvidados, nació Buena Vista Social Club. Es asombroso saber que este feliz accidente no solo produjo un álbum magnífico que elevó a algunos músicos increíbles y estilos musicales que no se habían escuchado en años, sino que también provocó un despertar de la importancia de la música afrocubana y latinoamericana.

Lo que se lleva de este álbum es lo importante que es estar en el momento y seguir la corriente. Tal vez eso sea parte del encanto que escuchamos cuando escuchamos este álbum y nos sentimos atraídos por estas conmovedoras interpretaciones de son cubano, guajira, boleros y danzón. Como bajista, mi oído se siente atraído instantáneamente por las líneas melódicas y sincopadas del bajo vertical de Orlando "Cachaìto" López. Es lo que le da a esta música ese movimiento y ritmo sofisticado. La instrumentación y los arreglos, más las complejidades de las guitarras y los solos que se escuchan a lo largo del álbum, construyen una alegría continua que es innegablemente sublime. Muchos de mis amigos quedaron impresionados al instante por el elegante fraseo y los solos del pianista Rubén González. Luego están las voces de Ibrahim Ferrer, Compay Segundo, Omara Portuondo y Eliades Ochoa con tanta pasión que no puedes evitar ponerte de pie y balancearte con los ritmos y la dinámica.

Realmente puedes sentir el ambiente y la química, y parte de esa magia es cuán integral es el sonido de la sala en esta grabación. Tuve la oportunidad de trabajar en los históricos estudios de la EGREM en La Habana en 2007 con Amparo Sánchez, una cantautora de España y cuando me senté en el mismo piano Steinway que había tocado el maestro González, instantáneamente pude sentir ese sonido de sala que conocía tan bien. . Terminaré esto con una historia de cuando conocí a Eliades Ochoa en 2010 en el Festival Womad en Australia. Cuando me presenté dije que era de Estados Unidos y su respuesta fue "sí, todos somos estadounidenses". Creo que es una nota importante para mucha gente de los EE. UU. Tal vez la música pueda ayudar a marcar el camino.

~Joey Burns, Caléxico

[Unir]

Thriller de Lambchop es un disco de transición en el mejor sentido. Todavía está oscuro, pero las líneas brillantes de la trompeta y las canciones pop (3 de ellas de FM Cornog de East River Pipe) comienzan a brillar en el pantano de Nashville. El doo-wop cómicamente extraño de "My Face Your Ass" (con uno de los mejores coros de Wagner: "I'll kick your punk rock ass") encajaría muy bien en la expansión de sus dos primeros álbumes, pero es seguido inmediatamente por los cuernos cargados de soul de "Your Fucking Sunny Day" y "Hey Where's Your Girl" de East River Pipe antes de volver a sumergirse en ruidosos (aunque hermosos) drones para las siguientes tres pistas. El álbum se tambalea entre el sol y la sombra como si el barco de arrastre cubierto de musgo de Wayne White en la portada estuviera sacando un nuevo Lambchop del pantano del pasado y es uno de mis favoritos en su extenso catálogo.

~Mac McCaughan, Superchunk

[Emocionante jinete]

Abril de 1997, me encontré conduciendo por Bedford Ave, en Williamsburg, Brooklyn, en dirección norte. Tenía $ 50 en mi bolsillo y una cabeza llena de escenarios ideales a aceptables. ¿Quería ser parte de algo? Seguro que lo hice. ¡Esto era Nueva York! Sin importar el modo de expresión: visual, musical, actoral, cómico, seguramente había un nicho comprensivo para explorar, personas con una estética común para conocer. Más específicamente, una banda de rock que necesita un baterista como yo. Independientemente, lo primero sería lo primero.

Apenas unas semanas después de estacionar mi auto, estaba vendiendo LP/CD en la tienda de ropa de segunda mano de un amigo que ayudé a preparar para su apertura. En ese momento, mucha música popular de izquierda salía de Chicago a través de Thrill Jockey Records, hogar de muchos grandes artistas como Trans Am, Tortoise y The Sea And Cake, que acababa de lanzar The Fawn.

Desde la pista de apertura hasta la última, un gran estado de ánimo, entregado suavemente. El sonido de la voz de Sam Prekops me hizo creer que no pasaba nada... Con el disco en reproducción, nada nunca fue o sería, hasta que la última pista hubiera terminado, es decir. El cervatillo emanaba una facilidad, un sentido superior de inteligencia emocional que era completamente nuevo para mis oídos. Todo entregado por una maestría musical de alto alcance sin ser autocomplaciente o gratuito.

Para mí, The Fawn representa más que un sonido inteligente y la composición de canciones de músicos inteligentes, arrullándome con una hermosa pero falsa sensación de estabilidad. Fue la partitura de mi esfuerzo.

Pronto conocería a mi compañero de banda de los últimos 22 años, Daniel Kessler. 1997 fue el año en que mi tiro en la oscuridad dio paso a una luz que sigue siendo luminosa. Sí, unirse a una banda increíble que firmaría un contrato discográfico con uno de los sellos independientes más geniales del mundo, para luego recorrer el mundo, una y otra vez, sería lo máximo. ¿Pensé que esto sucedería como sucedió? No. En ese momento tuve la suerte de tener un ingreso: unirme a la Interpol fue casi una quimera que se estaba convirtiendo en realidad.

El cervatillo representa la calma neurótica antes de la tormenta de éxtasis y todavía se minimiza como tal más de dos décadas después, recordándome lo hermoso que era ser ciego pero fiel con solo $ 50 a mi nombre.

~Samuel Fogarino, Interpol

[Columbia]

soy del norte de Gran Bretaña; Sheffield para ser exactos. pero me fui cuando era un niño, y me rompió el corazón. Para mí, la música ha sido una forma de mantenerme en contacto con el norteño que hay en mí, así que cuando salió este disco, el título solo me pareció especial. era tan utilitario y sencillo. simplemente decía en la lata lo que iba a ser, por así decirlo. Ya era un gran fan de TFC cuando salió, pero para mí representó un período completamente nuevo en su vida como banda y en mi propia vida. yo era un poco mayor estuve enamorado. y yo estaba empezando a pensar en el tiempo de una manera diferente. eso es lo más bonito de este álbum y de todo el trabajo de tfc: son honestos sobre quiénes son y en qué están pensando; son honestos sobre el tipo de música que les ha influido; no se dan aires. son una banda de pop del norte de Gran Bretaña. y debido a que tocan tan hermosamente, y armonizan tan de cerca, y escriben letras con una sencillez y apertura tan penetrantes, no necesitan ser nada más que eso. no son estrellas de rock, son personas. y la música no suena inventada por los dioses, parece que fue hecha por un grupo de amigos que se aman, que están envejeciendo y que aún aman el sonido de las guitarras. "No quiero controlarte" es el ejemplo perfecto de estas cualidades. Hasta el día de hoy no puedo escucharlo sin llorar. por que me hace llorar porque es muy amable. es tan humano, es tan optimista y, sin embargo, realista. y porque las palabras del coro "todos los días miro una cara diferente" es la mejor pista para un matrimonio feliz que he escuchado. hacerse mayor. acéptalo sé honesto acerca de quién eres. pero nunca dejéis de vivir en la posibilidad del asombro; nunca dejes de enamorarte; Nunca dejes de ser norteño. nunca olvides lo que eso significa. eso es lo que me han enseñado los clubes de fans adolescentes. Me encanta este disco.

~Torquil Campbell, Estrellas

[Aníbal]

El sonido de la cuarentena, para mí (y quizás solo para mí), era un guitarrista de Minnesota subestimado llamado Steve Tibbetts. Esto significa, por defecto, que Tibbetts también era a menudo el sonido de fondo mientras escribía las canciones para mi primer álbum en solitario, Nothing Special, en los desiertos, las montañas y las orillas de los lagos del sur de California, donde me acababa de mudar. Pero, como mucha de la música que escuché mientras escribía esta, es extrañamente difícil detectar la influencia de Tibbetts. No estoy seguro de por qué es esto. Por lo general, mis influencias suenan cerca de la superficie. Supongo, esta vez, que no estaba pensando tanto en los puntos de referencia sónicos. Pero me gusta pensar que hay algo en el espíritu de Tibbetts que lo convirtió en Nothing Special más que cualquiera de sus manierismos musicales específicos.

Tibbetts es un hombre difícil de precisar. Supongo que técnicamente lo llamarías un guitarrista de jazz ya que muchos de sus álbumes han salido en el legendario sello alemán de jazz ECM. Pero su trabajo se siente al menos parcialmente enraizado en la guitarra estilo finger-style del folk estadounidense, profundiza en las texturas electrónicas y ambientales, tiene un toque ocasional de rock progresivo y adopta abiertamente la batería de acero, la tabla y los instrumentos que algunas personas asocian con la etiqueta casi peyorativa "mundo". música." En última instancia, este resbaladizo es lo que me encanta de Tibbetts. Tiene un sentido de la melodía maravillosamente no melódico, una forma de sonar tanto agresiva como tranquila, y una especie de opacidad emocional que de alguna manera es muy conmovedora.

También hay algo en los proyectos de Tibbetts que se siente profundamente espiritual, y esto encuentra su expresión más obvia en sus dos colaboraciones con Ani Chöying Drolma, una monja budista nepalí. El segundo álbum del dúo, Selwa, es quisquilloso y detallado, un verdadero trabajo de amor y cuidado. El primero, Chö de 1997, se siente un poco como un simulacro para Selwa y pinta con trazos más amplios y borrosos, pero también tiene un misterio un poco más atractivo. Para Chö, Tibbetts, de paso por Nepal, hizo algunas grabaciones de los cantos budistas a capella de Ani Chöying y se los llevó a casa, donde añadió capas de guitarra, manipulación de cintas y percusión manual. Es posible que te estés imaginando algún tipo de bazofia del ritmo mundial, pero esto enfáticamente no es eso. El canto de Ani Chöying, aunque hermoso, tiene una especie de vacuidad serena y vanguardista, reconfortante pero un poco desconcertante, y Tibbetts no intenta exotizar su orientalidad ni llevarla a un contexto occidental, sino que sitúa sus cantos en este tipo de mundo de ensueño suavemente papilla enteramente de su propia invención. El resultado es una de las colecciones de música meditativa más poderosas que he escuchado, y era algo que necesitaba desesperadamente en 2020, sumergiéndome en un baño sónico alternativamente cálido y vigorizante mientras intentaba calmar mis nervios y confrontar la realidad en al mismo tiempo.

~Will Sheff, Río Okkervil

[Universal]

Para ser justos, tenía 7 años, pero recuerdo escuchar esto repetidamente cuando mi mamá me llevó a la práctica de fútbol pensando que era la música más entretenida y divertida que jamás había escuchado. La carátula del álbum y las imágenes también quedaron grabadas en mi mente a lo largo de los años con los colores brillantes sobresaturados y el estilo de baile europeo superior de los 90. Es posible que el estilo de la música no haya envejecido bien en términos de elogios de la crítica, pero hubo muy pocas canciones que debes omitir al escuchar ese álbum en sucesión. Y la creatividad para tomar el juguete infantil más popular del mundo y convertirlo en un obsceno fenómeno de Euro-night club banger de un álbum es la razón por la que moriré en esta espada. El álbum de 1997 es Aquarium de Aqua.

~Tucker Halpern, Sofi Tukker

[Mercurio]

New Forms de Roni Size fue un ejemplo excepcional, quizás el ápice, de un momento musical de largo desarrollo en la música dance, donde se estaban produciendo fusiones emocionantes entre Drum & Bass, hip hop, jungle, jazz, funk y house. El elemento de la música house fue lo que quizás más me atrapó al principio, ya que había música lista para mezclar en sets con ese tempo. A veces gloriosamente maníaco, en otros ritmos de funk que conducen adecuadamente e incluso otros con delicadas suspensiones en el aire: la complejidad y la artesanía de este álbum lo convirtieron en un disco definitivo para mí en 1997.

~Andy Butler, Hércules y la historia de amor

[Un pequeño indio/Elektra]

"Se te dará Amor... Tal vez no de estas fuentes... has derramado la tuya... Tal vez no en las direcciones que estás mirando... Gira la cabeza. Está a tu alrededor". Esta letra vive conmigo como una oración. Homogenic de Björk aterrizó en el momento perfecto de mi vida. En una temporada de lobo solitario de mi juventud, un capítulo solitario pero rico en naturaleza y descubrimiento. Homogenic expresó todo tipo de emociones que tenía en ese momento y Björk era cada uno de mis animales espirituales a la vez. Este álbum fue mi constante compañero y guía mientras le daba a mi soledad su mundo. Björk, como unos pocos, puede transmitir sus sentimientos a través de ti con su voz. "Unravel" es una manta. "Jóga" es fuego y hielo. "5 Years" es mi pavoneo salvaje y "All Is Full Of Love" es el tipo más amable de nuestra benévola Reina. "Te cuidarán. Te darán amor. Tienes que confiar en él". ¡Feliz 25 y gracias Björk!

~Jesca Esperanza

[Virgen]

Para mi ensayo conmemorativo de 1997 tuve que elegir Spiceworld de Spice Girls. A la tierna edad de 8 años, Spiceworld fue el primer álbum que me fue prohibido. Recuerdo querer desesperadamente comprar Spiceworld en casete en nuestro Walmart local solo para que mi madre me dijera que simplemente "no estaba permitido". ¡Crecí en una casa religiosa y no se toleraban los temas de la sexualidad femenina como una forma de independencia! Esta cualidad verboten es lo que haría de Spiceworld mi álbum más escuchado de 1997. Tenía un pequeño mapa secreto de amigos, cada uno de los cuales tenía una copia de Spiceworld. Durante las vacaciones de verano, me abría paso por el mapa, y mis mejores amigas y yo escuchábamos Spiceworld a todo volumen mientras nuestros padres estaban en el trabajo. Letras como "No me importa cómo te ves, es solo cómo te sientes" se derramaron en nuestras habitaciones mientras vaciábamos nuestras cajas de caboodle para convertirlas en kits de emergencia, o pasábamos horas haciendo collares de amistad. Han pasado 25 años desde que escuché este álbum, ¡y puedo recitar el 70% de la letra de memoria! ¡El mensaje es tan positivo y fuertemente femenino! Que se sepa que Spiceworld fue mi primera experiencia punk rock disfrazada de brit-pop algorítmico. Su música fomentó círculos sociales secretos donde las niñas escuchaban himnos feministas y se preparaban para el futuro desconocido. Solo por esta razón, las Spice Girls deberían sentarse en la sección punk justo al lado de The Pagans.

~ Haley Fohr, circuito ocular

[Tono]

El multiinstrumentista y compositor Rhys Chatham es conocido principalmente por sus ejércitos de guitarras y orquestas. Lo conocí por primera vez cuando estaba dirigiendo su primera pieza de rock "Die Donnergötter" en vivo en el CBGB en los años 80, con miembros de Sonic Youth y Band of Susans formando el ejército de guitarras. (Más tarde tuve la suerte de participar en la actuación de 200 guitarristas "A Crimson Grail" en el Damrosch Park del Lincoln Center en 2009 y "A Secret Rose" para 100 guitarras en Richmond, CA, en 2013). Pero Chatham brilla con la trompeta en este par de EP colaborativos de cuatro canciones de 1997.

Chatham tomó la decisión de aprender trompeta en 1982, tomando el instrumento como respuesta a la lectura de entrevistas con otros artistas neoclásicos que se regodeaban en la prensa sobre su reciente incorporación del rock, y específicamente de la guitarra, en sus obras. En ese momento, Chatham ya había estado haciendo lo mismo desde 1976, ya que anteriormente era conocido como un compositor minimalista (principalmente utilizando piano, gongs y flauta) y como asociado de La Monte Young y Tony Conrad. Chatham mantuvo un enfoque discreto hacia la trompeta hasta 1993, cuando se sintió listo para tocar tanto en público como en cinta con el instrumento.

En Neon, con el artista electrónico británico Martin Wheeler (Badly Born Droid, Vector Lovers), Chatham hizo sonar wah-wah y distorsión sobre la programación de Wheeler y varios ritmos. Ese mismo año también se asoció con el colaborador frecuente Jonathan Kane (Swans, Circus Mort, febrero) y DJ Elated System (Danny Hamilton) para Septile. Las cuatro selecciones destacan la interpretación de Rhys sobre ritmos mínimos programados y música concreta, la trompeta moviéndose hacia el estilo de Jon Hassell y Don Cherry. Ambos EP son muy atractivos, al igual que cualquiera de sus lanzamientos. Factor X de 1982, aunque en su mayoría se basa en la guitarra, presenta "For Brass", cuyo arreglo despertó su interés en aprender a tocar la trompeta. Two Gongs (1971) es una pieza de una hora de duración que utiliza gongs en intensidad variable, logrando en un punto un ruido blanco abrasador. Las grabaciones en vivo de piezas de varias guitarras incluyen Die Donnergötter, Guitar Trio, A Crimson Grail. La colección An Angel Moves Too Fast To See: Selected Works (1971-1989) ofrece una excelente visión general; con la pieza principal que incluye la increíble batería de Jonathan Kane y Ernie Brooks en el bajo.

~Doug Gillard, Guiado por voces

[Duofónico/Elektra]

Para 1997, Stereolab había progresado desde poderosas ráfagas de guitarra al estilo de Moore sobre ritmos de Kraut al estilo de Dinger hasta proveedores de pura confección sónica, cada canción era una masa azucarada de dulzura que induce a la nostalgia alrededor de un centro socialista duro, el equivalente sonoro de llenar un rompe mandíbulas. dentro de un malvavisco. Comenzando con The Groop Played 'Space Age Bachelor Pad Music' de 1993, hubo un alejamiento del sonido BIG INDIE GUITAR ROCK, y nuevas influencias, como Samba, French Yé-yé y la emotiva producción de pantalla ancha de The Beach Boys, de repente aparecieron. espacio para emerger.

A estas alturas, el Groop se había asentado en una forma extraña de hacer discos. Al igual que Emperor Tomato Ketchup de 1996, Dots and Loops se grabó en dos estudios diferentes, separados por un océano, y dos productores. Stereolab había trabajado por primera vez con John McEntire (mejor conocido como uno de los núcleos multiinstrumentales de los venerables post-jazzers Tortoise, así como un ingeniero y productor muy respetado) en su álbum anterior, rastreando la mitad de ETK con McEntire en Chicago y el otra mitad más cerca de casa en Londres. Esta vez, el Groop se acercó a los miembros de Mouse on Mars, Andi Toma y Jan St. Werner, y tres de las diez canciones se grabaron con ellos en Dusseldorf. También notable, este fue el primer disco de Stereolab realizado con la ayuda de la grabación digital. Las posibilidades que brinda este avance tecnológico, combinadas con las técnicas de producción con visión de futuro de sus colaboradores, dieron como resultado un álbum que sigue siendo una pieza central en su carrera de casi dos décadas.

El álbum comienza con el sonido de un sintetizador, entrando y saliendo como si estuviera luchando por aferrarse a la cinta. Pronto se le une la batería de Andy Ramsey, propulsora y serena a la vez, bailando sobre la línea de bajo de dos notas, la guitarra trémolo-d como una pluma y el vibráfono de McEntire, todo congelándose en un ritmo meditativo antes de que un redoble de caja y el chapoteo de los platillos anuncien la llegada. las voces Mucho se ha dicho a lo largo de los años sobre la yuxtaposición en el núcleo de Stereolab, la forma en que combinan tantas variedades de hermosa música pop con "P" mayúscula junto con letras que están más preocupadas por los males de la sociedad que por temas tan banales como el amor o el amor. lujuria, y sería difícil encontrar un ejemplo más claro de eso que Brakhage, con Laetitia lamentando "[…]tantas cosas" que necesitamos "para mantener nuestras estúpidas vidas". ¿Suena como un trabajo duro? Pero escuche la forma en que Mary Hansen baila alrededor de la letra con sus coros, su acento australiano es el complemento perfecto para la lengua francesa de Sadler, la alegría rítmica de su interpretación.

Si bien Tim Gane y Sadler pueden ser los principales compositores en el centro de la banda, Hansen, quien murió trágicamente en un accidente de bicicleta en 2002, brinda el contrapunto perfecto. Su guitarra principal en "Miss Modular" se enrolla y golpea como una cobra en una lata, su rango de frecuencia de radio AM y su zumbido punzante de 60 ciclos sobresalen sobre el ritmo ultrasuave y los arreglos pulidos de Sean O'Hagen y Andy Robinson. "The Flower Called Nowhere" se monta en un lavado triple de platillos y equipo de trampa como si fuera una Navidad de Charlie Brown, los clavicémbalos repican sobre un celeste fantasmal, llegando a un clímax donde descienden acordes corales estáticos, colgando sobre todo como un disfraz de fantasma de Scooby Doo. envuelto en un compositor de vanguardia. "Diagonals" comienza con un bucle de batería con cambio de frecuencia en 10/4, lanzando hacia arriba antes de volver a bajar, trinos de marimba de semicorcheas y gráficos de trompeta de movimiento lento sobre una línea de bajo dubby antes de que los acordes cortantes característicos de Gane conduzcan al verso. "Prisoner of Mars" traza una favela llena de instrumentos de percusión contra una guitarra acústica rasgueada suavemente, un bajo palpitante y volutas de barridos y tintineos electrónicos, todo lo cual sirve para enmarcar los distantes da da da antes de desaparecer en las sombras. "Rainbo Conversation" es una fantasía de samba, las vibraciones de McIntire en primer plano con los coros en el campo estéreo mientras que en el centro, Lateitia "anhela la pasión romántica" aunque "quemarse es [su] única expectativa". Las cuerdas a cámara lenta se difuminan a través de los ritmos que se filtran suavemente, es suficiente para romperte el corazón.

La pieza central del álbum de 17,5 minutos, "Refractions in the Plastic Pulse", comienza sin pretensiones, con una pepita alegre de pop francés con una guitarra principal burbujeante de muestra y retención, pero alrededor de la marca de cuatro minutos, los pulsos analógicos toman el control, desvaneciéndose en una nueva versión de la misma canción, esta vez en un compás de 5/4, el sonido de batería cerrado patentado de McIntire alimentado a través de una serie de efectos para sonar más como una caja de ritmos que una caja de ritmos nunca podría. Los pulsos vuelven a tomar el control, esta vez más altos, lo que suena como una caja de ritmos real toma la apuesta, chisporroteando a través de un efecto de codificador de voz. Ondas de modulación de frecuencia se deslizan por el campo estéreo mientras un piano eléctrico suena a intervalos temblorosos. Otro interludio rítmico y volvemos al principio, solo que no del todo, invertido un poco, mezclando elementos de las secciones anteriores con los característicos arreglos de cuerdas dolorosas de O'Hagen antes de desvanecerse lentamente en el silencio y anunciar el tercer salto lateral.

"Parsec" es un poco de percusión y bajo de Farfisa y clavicordio en compás de 10/4, como si tal cosa pudiera existir y siempre hubiera existido. De vez en cuando desaparecen los breakbeats filtrados, dejando atrás el suave funk de clave, los cuernos apuntando resueltamente hacia el cielo mientras reanudamos nuestro viaje al hiperespacio. "Ticker-tape of the Inconsciente" nos devuelve al planeta del funk suave, esta vez con arreglos de viento extra generosos. Todos los elementos de las sesiones de Chicago están en efecto, tambores aplastados y pistas de sintetizador moduladas sensualmente. "Contronatura" comienza en un bosque repleto de insectos sintetizados antes de la repentina nevada de platillos voladores y timbales. Un piano en la distancia golpea los acordes mientras Letitia implora "Mi querida amiga, no te vayas" mientras el ecosistema (cuidado de los "cuernos de insecto" de Jan St. Werner [conocido en el mundo real como sampler]) crece gradualmente, volviéndose más complejas, ranas, pájaros, pantanos burbujeantes y grandes árboles gimiendo moviéndose bajo su propio peso, formando bucles y patrones mientras la canción se desvanece detrás de ellos, alcanzando repentinamente la conciencia de masa y fusionándose en un ritmo. "Este es el futuro de una ilusión/Cultura agresiva de despotismo/Fantasía viviente de lo inmortal/La realidad de un animal". ¡Al menos tienen los buenos modales de llevarnos a algunos Dah Dah Dah Dee Dah Dah's!

~ M. Geddes Gengras

[Deformación]

"Flim" fue la primera canción que escuché de Aphex Twin. Como era costumbre en ese momento, estaba mal etiquetado en cualquier servicio de intercambio de archivos que estuviera de moda en 2005. Viví con este título "Flim" en un CD-R quemado durante semanas antes de saber que era 'Aphex Twin'. Desde entonces, esa canción y el álbum del que proviene, Come to Daddy, se han convertido en algunas de las partes más influyentes del catálogo de Aphex Twin para mi música.

Más que Selected Ambient Works, Drukqs o Richard D. James, este álbum muestra todos los rasgos únicos de Aphex Twin en un solo LP. El cóctel único de estilos que están en desacuerdo en la superficie ha hecho que siga resonando a través del tiempo de una manera que sus contemporáneos nunca igualaron. Hay una dureza y una suavidad persistentes que siempre están presentes en su trabajo que parecen estar en desacuerdo, pero se unen para sumar más que la suma de las partes.

Por ejemplo, la pista principal "Come to Daddy (Pappy Mix)" es parte de la música más dura que jamás haya hecho, pero encuentra la manera de doblarse en la hermosa sección del puente en 2:40 que lucha existencialmente a través de la distorsión. Parece que no puede evitar la tendencia a encontrar la belleza en la aspereza justo cuando parece que no llegará.

De manera similar, en "Bucephalus Bouncing Ball" hay una insistencia en presionar el timbre en un lugar aparentemente incómodo solo para arrojar un chaleco salvavidas de armonía en un minuto y medio y luego, por supuesto, pasar los minutos finales de la canción simulando la física. de una pelota que rebota por las escaleras. Nunca demasiado tiempo en el cielo o el infierno.

La magia está en la contradicción permanente de las emociones que simplemente no funcionan en el papel pero se casan perfectamente en el audio. Creo que estos máximos compositivos continuarán brindando una estrella polar para cualquier productor joven que elija una computadora portátil en las próximas décadas.

~James Hinton, La gama

[Explotación de cera]

Cuando nuestro amigo Kiva trajo este CD de una banda desconocida llamada Strictly Ballroom a Eau Claire, WI de un viaje que había hecho a California, se convirtió en un clásico instantáneo para muchos de mis amigos. No sabíamos casi nada sobre la banda, y aún no lo sabemos. Hace poco supe que Jimmy Tamborello (Dntel, The Postal Service) era miembro, y que un par de miembros formaron Beachwood Sparks. Pero independientemente, estas 8 pistas son casi perfectas bondades emo/indie/post-hardcore que están empapadas de psicodelia. Puedo confirmar que si escuchas este álbum bajo los efectos del LSD, con los ojos cerrados y quieto, te enviará como un cohete a través de túneles de colores en espiral. Algo raro en ese momento para un álbum de rock basado en la guitarra, y la razón por la que algunos describieron a esta banda como Enocore por su uso de paisajes sonoros inspirados en Eno.

Hide Here Forever es todo lo que quieres que sea un álbum emo de los 90. Las voces son sílabas exuberantes y prolongadas de canturreo suave que ocasionalmente se convierte en lamentos a pleno pulmón. Del tipo que suena como un grito feo. El tipo con el que quieres gritar en tu auto, solo. Pero sobre todo las voces son como una almohada. Notas de larga duración que brillan por encima de una cantidad perfecta de interacción de guitarra tintineante y riffs de bajo que se intercambian como luchadores en equipo. Reconozco que la letra es decepcionante. Ok, a veces son dolorosos. Pero esta bien. Los sonidos en este disco son suficientes para hacer flotar el bote y, en su mayor parte, las palabras son lo suficientemente identificables.

Este álbum es criminalmente difícil de encontrar, pero sus grabaciones recopiladas se pueden escuchar digitalmente en algunas plataformas. El vinilo aterriza ocasionalmente en el mercado de Discog, pero tendrás que ganarme la próxima vez.

~Drew Christopherson, La policía

[Chico malo/Arista]

Mi álbum de 1997 es definitivamente Harlem World de Mase. Era esto o Supa Dupa Fly pero, sinceramente, Harlem World me ha dado más vueltas, por lo que estoy más familiarizado con él. Ya les he dicho a mis amigos que si pudiera rapear como tres raperos, sería Jay-Z en "Ride or Die", Cam'ron en "Welcome To New York City" y Mase en "Feels So Good". . Pero, sinceramente, al volver a escuchar, no creo haber notado cuánto yo y muchos raperos extraemos inconscientemente de Mase. Quiero decir que conocemos la entrega tranquila, relajada y fluida. Pero si quieres hablar de una clase magistral en la creación de éxitos... hombre, los cinco mejores de este álbum. De alguna manera, aparentemente sin siquiera intentarlo, Mase puede hacer una cotización de lo que quiera. "Todas estas chicas son bastante iguales, ¿así que no es el lápiz sino cómo escribes tu nombre?". Vamos, cómo alguien puede hacer que el proverbio que suena del abuelo sea tan citable es solo un testimonio del arte. La producción funky y discreta encaja perfectamente; nada es demasiado grandioso, principalmente solo un buen bucle, bajo y batería. Todo ello amplificado por ganchos pegajosos y actuaciones por todas partes. Definitivamente un álbum para ser estudiado cuando se quiere aprender a crear éxito tras éxito.

~ Gais Guevara

[Matador]

Llegué tarde a este disco, probablemente ocho o diez años después de que salió. Trabajaba en una empresa de administración de propiedades en el oeste de Filadelfia que empleaba a la mitad de los músicos con problemas de la ciudad: cambiamos y alquilamos apartamentos a niños de la Ivy League que nos trataban como "la ayuda" y nos dieron un enemigo común con el que unirnos. Llegamos a trabajar con resaca e intercambiamos CD de mezclas (y ocasionalmente demos). Mis compañeros de trabajo eran mucho más geniales y tenían más conocimientos que yo; hice todo lo posible para ponerme al día con su inmenso vocabulario musical. Dejaban CD-R quemados en el auto, cosas que eran nuevas para mí en ese momento: Sonic Youth, The Groundhogs, Superchunk, The Silver Jewish, Yo La Tengo, y así sucesivamente. Nada de esto estaba en mi radar, en absoluto, saliendo de la escuela secundaria y la universidad. Puedo escuchar el corazón latiendo como uno solo (junto con Y luego nada se volvió del revés) pegado como pegamento. Desafiante pero acogedor. Es confuso, dinámico, improvisado y compositivo, todo a la vez. Hay una inmensa sensación de libertad y sinergia aquí. Para mí, "Shadows" -> "Stockholm Syndrome" -> "Autumn Sweater" es la pieza central del álbum. Es un sistema climático que pasa constantemente de delicado a expansivo, con una composición de canciones espectacular en cada paso del camino. Ningún sonido fuera de lugar. Este álbum salió en 1997, pero para mí me transporta directamente a 2005, conduciendo por Filadelfia en un Ford Focus rojo con todas las ventanas abiertas y el volumen atenuado.

~Dave Hartley, Nightlands/La guerra contra las drogas

[Capitolio/Parlophone]

En 1997 vivía con los tres de The Wrens. Recientemente nos habían echado de nuestra primera casa de banda y vivíamos en un pequeño apartamento en Weehawken, NJ, que está justo en la parte superior de la hélice del túnel Lincoln que conduce a Nueva York. Era una casa de banda en toda regla donde el calor se rompió a una temperatura constante y agradable de 98 grados, teníamos una infestación de chinches de agua negra, ninguna puerta a las habitaciones y nuestro refrigerador estaba cerrado por un viejo bajo. Lanzamos nuestro segundo álbum, Secaucus, un año antes, en 1996. Estábamos en bancarrota, manejando (y descomponiéndonos) en nuestro GMC Turn Van por todo Estados Unidos para promocionar nuestro álbum. También es el año en que cumplimos nuestro contrato de un millón de dólares para mantenernos fieles a nuestra música. Entonces, fue un momento muy interesante para nosotros. Siempre había sido fanático de Radiohead, pero había algo entre mi esperanza personal de que nuestra banda "lo lograra" y la intensa exageración que rodeaba a OK Computer que simplemente hizo que NO quisiera escucharlo. Mientras evitaba conscientemente el disco, escuché que Radiohead iba a tocar en un show secreto en Irving Plaza durante el fin de semana del Tibetan Freedom Concert organizado por los Beastie Boys. Sin boleto en la mano, tomé un autobús a Nueva York, llegué al centro de la ciudad a Irving Plaza y traté de reventar un boleto. El revendedor me miró y me dijo: "No puedes ser tan tonto si crees que te van a multar". Pensé que si me paraba junto a la puerta del escenario, podría colarme. No sucedió. Sin embargo, dentro de un período de 15 minutos parado en la puerta del escenario, vi a los Beastie Boys, Blur y luego a The-Madonna-misma, todos colarse por la puerta lateral para ver el show de Radiohead. Aparentemente, ninguno de ellos era fanático de Wrens, por lo que todavía no hay boleto adicional. Pero dije: "Ok, es hora de escuchar OK Computer". Fui a casa esa noche, escuché el disco y, simplemente, cambió mi vida musical. Me ayudó a repensar qué podría ser un disco y por qué luchar cuando comenzamos los muchos años que llevaría hacer el disco de Meadowlands.

~Kevin Whelan, Estación Aeon/Los reyezuelos

[Hannibal/Oído sediento]

No estaba prestando mucha atención a la música contemporánea en 1997. Sentí una obligación instintiva de excavar en el pasado y traer las cosas que encontraba interesantes al presente en mis propias combinaciones únicas.

Ese año viví ocho casas abajo de donde vivo ahora. Puedo recordar claramente la banda sonora de ese spot: Todas las reediciones de Table of The Elements, Can, Leonard Cohen, Silver Apples, cada época de Beefheart y "Love Cry" de Albert Ayler. Era tan drogadicto que me llevó una eternidad darme cuenta de que mi CD de Goblin Deep Red y el LP de Profondo Rosso eran el mismo álbum. Un año antes de su primera reunión, a mis amigos les pareció unánimemente excéntrico lo mucho que escuchaba Bauhaus. "Easy Listening for the Hard of Hearing" de Frank Tovey & Boyd Rice fue transformador, pero yo no conocía toda la jodida ideología.

Danny tenía Soul Night los martes y domingos en The Bottle era Deadly Dragon Sound System. Esos DJs eran todos los reyes del conocimiento secreto para mí. Dusty Groove Records abrió ese año. Estudié cada reedición de Soul Jazz, comenzando con la compilación de Nu Yurica.

Robert Wyatt es de alguna manera la síntesis sin esfuerzo de todas esas cosas. Cada nuevo álbum de Robert Wyatt fue un evento importante. Todos los que conocía invirtieron días absorbiendo y diseccionando cada uno. En los círculos en los que me encontré, los entresijos de cada álbum de Robert Wyatt requerían conocimiento para ingresar. He pasado cientos de horas de mi vida discutiendo las voces en "Pigs (In There)".

So Shleep fue el nuevo álbum que salió en 1997 que resonó conmigo. Un par de años más tarde, mis amigos Boas hicieron una versión de "Free Will & Testament" y me encantó tanto que hice una versión propia. Robert Wyatt todavía representa para mí el potencial vital de la humanidad. Es una poderosa acusación contra el entretenimiento popular que no sea un nombre familiar.

~Tim Kinsella, Capitán Jazz/Juana de Arco/Búhos

[Banquete de mendigos]

Es difícil creer que un boleto para ver a The Charlatans en Metro en Chicago solo me costó $ 10 en 1997, la primera vez que vi a la banda en vivo.

Tellin' Stories, el álbum por el que estaban de gira, ofreció otra ración de melodías de rock bailables. Hubo una precisión en la escritura y un pulido en la producción que lo elevó justo por encima del predecesor homónimo del disco. Tellin' Stories se sintió como una progresión natural de los discos anteriores, con un sonido que espesó la mezcla hasta un resultado más abundante, orgánico y maduro.

Derribando la puerta a través de la canción de apertura "With No Shoes", The Charlatans les hizo saber a los oyentes de inmediato que estaban subiendo la apuesta de rock and roll de su trabajo anterior. Las canciones están llenas de vibraciones positivas que Tim Burgess todavía transmite con una sonrisa, y aún resiste muy bien para poner un poco más de vitalidad en tus pasos en los días de verano sin preocupaciones paseando bajo el sol. Mi memoria borrosa pone la canción "Title Fight" en este disco, pero, lamentablemente, en realidad está en The Other Stories, el CD complementario de caras B que es un testimonio de cómo las canciones fluían de la banda en esta era.

Un chico de Chicago que vive en Milwaukee y sus amigos de ideas afines no fueron la fuente de inspiración para Tellin' Stories, pero eso no nos impidió en nuestro trabajo como transportistas de gritar letras al azar de "North Country Boy" y "How High". el uno al otro con exagerados acentos ingleses cuando nos cruzamos cargando muebles pesados, un perfecto alivio de nuestra tarea en cuestión.

Tellin' Stories hizo lo que hacen muchos de mis discos favoritos; me hizo sentir bien en el momento, y me hace sentir bien cuando recuerdo esos momentos.

~ Brian Cundiff, Ganser

[Matar estrellas de rock]

Crecí tocando el saxofón, un purista del jazz. En la escuela secundaria, cuando ese puritanismo comenzó a flaquear, mi amigo Rich me quemó una copia de X/O de Elliott Smith y descubrí todo un universo musical diferente. Me enganché al instante. Tracé mi camino de regreso a sus registros de 4 pistas y me caí aún más fuerte. La intimidad, las letras que flotaban en un espacio intersticial entre la tristeza y la rabia, las voces que te susurraban al oído, mitad burla y mitad susurro de amante. Yo mismo estaba solo y enojado y nada me tranquilizaba más.

Cuando intenté aprender a tocar la guitarra por mi cuenta, me escondí en mi habitación con la vieja guitarra acústica de mi padre y una gran cantidad de tablas de Elliott que descubrí en línea. Casi no podía tocar nada de eso, pero nunca olvidaré la magia de recrear pequeños pedazos de esas canciones con mis propias manos. La escala pequeña que se ejecuta en "2:45 AM" fue la primera parte de guitarra lineal que aprendí a tocar. Cuando soñaba con una chica que no estaba disponible, me sentaba a jugar "Di sí" durante horas.

No puedo escuchar uno u otro sin retroceder, pero a diferencia de otros discos que primero me golpearon en ese estado vulnerable, todavía puedo ponérmelo ahora y perderme en él. La sencillez es atemporal. Es un disco que no intenta ser más de lo que es, que son 12 grabaciones perfectamente evocadoras de canciones bellamente construidas. La reputación de Elliott Smith como un saco triste lo precede, pero oscurece el hecho de que fue uno de los compositores más sutiles y armónicamente sofisticados que se hizo prominente en los últimos 30 años. Esa profundidad mantendrá vivas estas canciones mientras la gente ame las canciones.

~Gabriel Birnbaum, Creador de Wilder

[Virgen]

En 1997 tenía 7 años y las Spice Girls sacudieron mi mundo. Afortunadamente, mis padres tenían muy buen gusto y yo estaba expuesto a música como Bjork, Beck y Radiohead en ese momento, pero realmente no me conecté con la música alternativa hasta la adolescencia. Cuando era niña, las Spice Girls tuvieron un gran impacto en mí. Cantando sobre Girl Power, fueron mi primer contacto con el feminismo convencional y la primera vez que me sentí iluminada con esta idea de hermandad. También eran sexys, en su música y en sus fabulosos atuendos. No siempre entendí completamente la letra, pero ver a las mujeres abrazar su sexualidad fue poderoso en una cultura que a menudo enseña a las jóvenes a ocultar o repudiar esta parte integral de su ser. Al escuchar este álbum, me sentí libre, como si pudiera ser una diva del pop, bailando y cantando en el escenario con mis mejores amigas. De hecho, lo hice, en el patio de recreo y en mi habitación, donde me ponía un calzoncillo para fingir que estaba usando una tanga sexy, mientras cantaba en un micrófono falso. Al revisar este álbum, siento que el contenido musical es bastante salvaje y ligeramente caótico: los géneros están por todas partes. Pero escucharlo me devuelve a mi niña interior, que era una diva del pop antes de que el mundo le dijera lo contrario.

~ Rosa del Chelsea

[Elektra]

La primavera pasada, me despertaba y animaba. Animaría desde el anochecer hasta el amanecer y la única vez que tomaría un descanso sería cuando mi perro necesitara un paseo. Lo acompañaba hasta el río para recoger conchas y enfriar trozos de madera flotante. El verano en Alexandria se siente tan psicodélico: la hiedra cubierta de maleza y la humedad. Cada verano que paso allí, termino encontrando un álbum que refleja esto.

El molusco te hace sentir como si vivieras bajo el agua. Crea un mundo acogedor, pero aterrador. Quiero tocar las criaturas que se describen. Quiero caminar sobre las conchas e incluso recoger algunas, como hago con mi perro en el río.

Ween es una banda que crea su propio género de sonido y esto se refleja en la canción "Mutilated Lips". Los sonidos eléctricos y acuosos casados ​​con letras extrañas te transportan a otro planeta. Aprecio esta cualidad de construir mundos cuando me sumerjo en diferentes artistas. Coloco a Ween en la misma categoría que MGMT, Animal Collective y Joanna Newsom. No creo que hagan el mismo tipo de música, solo creo que hacen música un poco psicodélica y algo sin género.

The Mollusk era el álbum que estaba escuchando cuando decidí mudarme a Los Ángeles. Era el álbum que estaba escuchando cuando decidí que necesitaba encontrar un mundo más grande que Virginia. ¿Fue algo inspirado por el álbum? Creo que sí. Creo que hay magia en ello que te anima a explorar partes de la vida que has tenido miedo de explorar. Lo juego todos los veranos.

~ Naomi Cocodrilo

[papá volador]

Vuelvo con The Bevis Frond, mucho antes de 1997. Mi hermano mayor me grabó Triptych e Inner Marshland cuando estaba en noveno grado. Era 1988. Mi hermano estuvo en el hospital durante más de un año y yo me senté en varias habitaciones, en varios estados, y escuché y escuché. También seguí a Frond tanto como pude, recogiendo importaciones en el camino, y en 1997, una obra maestra de triple LP llamada North Circular: ¡26 canciones! – continuó la increíble racha de Nick Saloman de pop casero, psicodélico y tenebroso arácnido, punzante y chirriante. Su música es sincera, es idiosincrásica y se encuentra completamente equilibrada en una combinación única de tradición de psych-rock, sonido de bricolaje e introspección. North Circular es un paseo de dos horas a través de este espinoso y delicado laberinto construido sobre fuzz y melodías melodiosas. Algunos fanáticos y críticos parecen enfocarse en la extraordinaria forma de tocar la guitarra en la música de Saloman, pero me encuentro transportado por el conjunto: la guitarra es como un hilo multicolor que borda aquí, repara allá, pero es solo parte del tapiz. Para mí en 1997, en la víspera del primer álbum y gira de Oneida, North Circular también fue una afirmación de que haces lo que haces, haces la música que haces y envejeces y te vuelves raro en tus propios términos. Todavía tengo la cinta que me hizo mi hermano, y todavía tengo a mi hermano, y todavía tengo a Oneida, y de alguna manera todavía tenemos The Bevis Frond.

~Bobby Matador, Oneida

[Capitolio/Parlophone]

Debo comenzar diciendo que soy un gran fanático de Radiohead de las canciones que conozco y aprecio profundamente. Así que me sorprendió, considerando que OK Computer es ampliamente considerado como uno de los mejores y más influyentes álbumes de su generación, que sea nuevo en este disco. Por supuesto, estoy íntimamente familiarizado con los clásicos: "No Surprises", con sus melodías icónicas y letras angustiadas; "Karma Police", con posiblemente uno de los puentes más emocionales y líricamente sucintos de todos los tiempos; "Exit Music", mi favorito personal, que me gusta pensar que es la herida abierta del disco. Pero, cuando di una larga caminata hoy y escuché OK Computer de principio a fin por primera vez, no pude evitar pensar en lo que dijo Ed O'Brien, el guitarrista, sobre su proceso: "Simplemente estábamos niños. Era bastante DIY, construimos nuestro propio estudio móvil; buscamos lugares inspiradores para grabar en lugar de estudios de grabación". Me impresionó la cualidad errante y errante de "Airbag" y "Paranoid Android"; los cambios de hora un tanto indulgentes a las 7 para que los estudiantes de primer año de Berklee se diviertan; el obstinado fuera de lugar de "Fitter Happier" y "Electioneering"; las partes de guitarra abarrotadas que se mueven como abejas zumbando, abarrotando la voz, que en sí misma parece estar disfrazando su propio contenido lírico para no revelar demasiado.

Mi amigo mucho más informado me decía que en este momento de finales de los 90, probablemente había mucho acid jazz, drum and bass en vivo, trip hop, etc., especialmente en el Reino Unido, así que lo que suena como pegajoso tambor. Los ritmos y las líneas de guitarra riffy ahora eran culturalmente súper innovadores y emocionantes en su época. También es una llamada de atención sobre cuántos artistas escucho sacar de Radiohead. Me hace sonreír, escuchar este disco completo, porque siento que puedo escuchar un poco su juventud, y como tengo esa edad ahora, me hace feliz. Obviamente, estuvieron tan presentes e imprudentes en la creación de este disco, que creo que cualquier artista debería aspirar a serlo.

~Victoria Canal

[Creación/Repetición]

El boom de la máquina más enfermizo, el bajo como lodo de Mani y la arrogancia enloquecedora y arremolinada arriba, el punto de fuga de Primal Scream me hizo en la cabeza cuando lo escuché por primera vez, debajo de las sábanas con los auriculares puestos.

Llegué tarde a Vanishing Point y encontré una copia en mi biblioteca local. Cuando era un niño que crecía en Texas, adorando a los pies de SRV y Gatemouth Brown, no tenía idea de quién era Kowalski ni había oído hablar de la película de 1971, pero la portada se veía tan inefablemente genial. Luego, "Kowalski" comenzó a sonar, el ritmo distorsionado comenzó y la voz fantasmal de Bobby Gillispie me hizo creer. Una banda con sede en Glasgow, escribir un álbum conceptual sobre una película de viaje estadounidense de la década de 1970 basada en los sonidos del dub y la psicodelia tenía mucho sentido para mí, un inmigrante taiwanés que vive en Houston y escucha a Lee Hazlewood en la radio de mi vecino de al lado.

Vanishing Point fue mi puerta de entrada, una Enciclopedia Galáctica que viaja en el tiempo y que me introdujo al krautrock, Can y Suicide en una dirección, y me mostró un futuro de maximalismo gonzo en la otra, donde el garaje, los 808 y los comentarios sociales se deslizan juntos. Este y su secuela, XTRMNTR de Primal Scream, me influyeron profundamente como compositor y músico. Sus sonidos están entretejidos en el ADN de cada álbum que he escrito, incluido el último, Empire Postcards, ¡canciones como "Taking of a Nation" con su NEU! el ritmo, el bajo fuzzeado, los sintetizadores analógicos y el conjunto de trompetas invertidas lucen con orgullo su herencia Primal Scream.

El éxtasis apocalíptico del krautrock-acid-dub colapsando Vanishing Point me mostró cómo uno puede bailar hasta el fin del mundo, y que las profecías a veces se expresan mejor con un ritmo de cuatro en el piso y ondas de retroalimentación.

"Esta estación de radio se llamó Kowalski... en honor al último héroe estadounidense para quien la velocidad significa libertad del alma".

~Juan Tsung

[Cueva de golf de Aladino]

Clinic parecía saber quiénes eran exactamente desde la primera nota de su primer EP, que parece casi sin lugar en el tiempo. Casi todas sus marcas registradas están aquí: los ritmos aterciopelados y los sonidos de guitarra, los coros fantasmales, los pequeños giros inventivos y los acentos únicos que los hacen sonar salvajes y quisquillosos al mismo tiempo. Al igual que las mejores bandas, tienen cuatro personalidades distintas: la percusión inventiva de Carl Tierney, el trabajo ágil del bajo de Brian Campbell, los solistas distintivos y arácnidos de Hartley (y ocasionales líneas de clarinete) y la farfisa estruendosa y la voz lastimera y siniestra de Ade Blackburn, que suena si está cantando. a través de los dientes apretados, combínelos para obtener una infusión granulada, espeluznante y diabólicamente pegadiza. Dentro de tres años estarían surrealistamente nominados para un Grammy, luego desaparecerían del radar de la corriente principal para subsistir más cómodamente (estéticamente, al menos) en el underground. Sus álbumes posteriores a Walking With Thee son criminalmente pasados ​​por alto; para mí son una de las bandas más inspiradoras que surgieron del Reino Unido en el último cuarto de siglo.

~Jonathan Meiburg, Pardela

[Grabaciones de Stabbies y Rocket]

Pumice hace música que suena como un robot roto tocando la canción popular abstracta más solitaria que jamás hayas escuchado. La banda de un solo hombre, Stefan Neville, transmite desde lo más profundo del mundo del avant noise de Nueva Zelanda de finales de los 90/00/10/20, pero siempre con un solo dedo del pie sumergido en el pop. Al igual que sus héroes de Flying Nun Records y los casetes Xpressway, que me perseguían a finales de los 90 por ser imposibles de obtener, el aislamiento ha permitido que su arte florezca. Aquí hay un trabajo bastante temprano, autoeditado en su propio sello y luego reeditado por el sello de culto de CD-R de ruido neozelandés Celebrate Psi-Phenomenon, dirigido por Campbell Kneale de Birchville Cat Motel "fame". Los antepasados ​​más cercanos de Pumice serían los primeros Dead C o Alastair Galbraith, pero solo llegaron a este turbio planeta unos años antes. Hay algunos elementos de jazz sorpresa, posiblemente un clarinete descarriado, y algunos tambores y riffs de forma libre que Captain Beefheart podría haber abandonado. Las voces se gritan desde una lata hasta una mazmorra. Pumice hizo cosas más accesibles más tarde, pero la alegría y la ingenuidad que se muestran aquí siempre me inspirarán a relajarme y hacer algo de ruido.

~Glenn Donaldson, Los rojos, rosas y morados

No me arriesgaré cerca de un volcán (1997) de Pumice

[Falta de gusto]

Compré el Von de Sigur Rós en el joyero morado en 2005 durante mi primer viaje a Amoeba mientras visitaba Los Ángeles. Cuando puse el CD durante el vuelo a casa, admito que no pude distinguir qué era el álbum en comparación con el estruendo del motor. Los gritos distantes a la mitad del abridor "Sigur Rós" definitivamente evocaron cierta inquietud diegética.

Von se destaca solo en comparación con los himnos divinos de la discografía posterior de Sigur Rós, y considerando la secuencia en la que la mayoría de los fanáticos lo escucharon, el álbum se siente como un juego de manos no intencional. Veinticinco años después de su lanzamiento, sigue siendo un disco fascinante para mí con una variedad de puntos de contacto convincentes: música concreta, calliope deconstruido, Shoegaze y paisajes sonoros ambientales embrujados. Por encima de todo, Von tiene una intención clara y muestra algunas de las primeras inclinaciones de la inconfundible visión post-rock de largo alcance de la banda.

~Thomas Mullarney, faro

[Barra/Ninguno]

Cherry Peel es nuestro álbum favorito de Montreal. El disco fue particularmente importante para nosotros durante el lanzamiento y la gira de Versions of Modern Performance. Gigi tenía el CD en su auto antes de que ninguno de nosotros tuviera un momento real con él, pero desde entonces se ha convertido en uno de nuestros CD más preciados. Cherry Peel se las arregla para ser terriblemente desgarrador y encantador. Cualquier canción del disco se presta tanto para sollozar como para bailar. Es pop pero tan extraño. Tiene confianza en su tono incómodo y confesional, y aprovecha un sentimiento universal de dulzura agridulce que realmente resonó con nosotros durante este extraño punto de transición en nuestras vidas. A veces parece que los mejores discos pop son los que resultan deliciosamente pegadizos contra viento y marea. Cuando realmente escuchas a Cherry Peel, parece desafiar su propia poppiness. Está lleno de cambios de ritmo inesperados, formas poco convencionales y decisiones creativas discordantes y cuestionables, pero lo recibimos como un paquete pop perfecto. Horsegirl está muy influenciada por esta unión de lo poco convencional y el pop, una forma que Cherry Peel ejecuta a la perfección.

~ Amazona

[Un pequeño indio Records/Elektra]

Cuando era más joven, los CD del automóvil de mis padres eran una mezcla de London Calling de The Clash, Sgt. Pepper de The Beatles, The Best of Bowie 67-74 y otros favoritos de mi hermano y míos, a saber (pero no vergonzosamente) American Idiot de Green Day. pero también incluyó el debut de Björk. Era un disco que ocasionalmente se escuchaba completo y que me pareció extraño, tal vez un poco desagradable en ese momento, pero también completamente fascinante. Björk no se parecía a nada de lo que había escuchado, y su voz tenía una urgencia y alegría únicas y refrescantes. No había guitarras, ni tambores pesados, sino tablas, violines y sintetizadores, y me gustara o no, me enganché por completo a Björk.

A lo largo de los años, mi disco favorito de Björk ha cambiado constantemente, pero predominantemente me siento atraído por Homogenic de 1997. Me encanta este disco por muchas razones, pero sobre todo por su precisión, cada letra es como un dardo emocional que da en el blanco, como 'I'm a path of cinders/Burning under your feet/You're the' de "Bachelorette". one who walks me/I'm your one way street' o 'Pensé que podría organizar la libertad/Qué escandinavo de mí' de 'Hunter' donde juega con nuestros oídos; esperamos la línea 'Qué escandaloso de mí', pero nos devuelven al mundo y un sentimiento personal se ha convertido en una declaración política, ¡eso no es más que buena escritura!

Hay un sentido dramático de la instrumentación a lo largo del disco, los violines en su mayor parte armonizan en el quinto, que es un estilo de orquestación tradicional islandés, y a lo largo del disco reflejan la voz altísima de Björk. Los ritmos se sienten como si el manto de la tierra misma se estuviera desgarrando, viniendo de Islandia, un país que es volcánicamente volátil, esto tiene sentido, pero no pierde nada al contarlo, tal vez este sentimiento se describa mejor en el "avión" de Debut: ... el erupción / que nunca te defrauda / ¡Puedo sentirlo!'. Este disco es siempre una escucha refrescante, es un mundo vasto e inspirador.

Como banda, a menudo hablamos de Björk, empleando principalmente la frase "¿Cómo hizo eso?". Como artista, ella es independiente y sus modalidades únicas en instrumentación y estructura son cosas que siempre tratamos de extraer de su música de alguna manera (robar es una parte importante de la escritura, ¿no?)

~Oliver Offord, Las diéresis

[Dedicado]

Si hay un problema con el álbum de 1997 Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space de Spiritualized, es que la canción principal de apertura podría ser demasiado buena. Es una grabación trascendental, una de las piezas musicales más bellas de su tiempo, y al final de la canción sientes que has atravesado un viaje épico que es difícil de seguir. Comenzando con un mantra que se repite en voz baja, termina en un gran coro y un crescendo sinfónico. Muchas veces ponía este álbum y me sentía emocionalmente exhausto al final de la canción. Aún así, eventualmente encontraría que es un álbum excepcional de principio a fin, y hay muchas otras pistas que se destacarían en cualquier otro álbum. "Come Together" y "I Think I'm In Love" amplían el dron de blues de Spaceman 3, mezclando más elementos gospel y orquestales; los resultados son bastante emocionantes por derecho propio. "Broken Heart" continúa con el paisaje de ensueño de la canción principal, mientras que la segunda mitad se desvía hacia el ruido experimental y termina con la explosiva "Cop Shoot Cop". Es difícil pensar en un álbum de esta era que se acerque a ser tan variado y musicalmente ambicioso, pero ninguno se siente forzado. Las canciones siempre toman la delantera sobre los arreglos a veces épicos y densos, lo que es posiblemente el mayor logro del álbum.

~Jason Quever, Cortes de papel

[Virgen]

Aunque me encantaba The Velvet Rope cuando era niño, no escuché completamente el alcance de lo que estaba escuchando hasta que lo revisé en los últimos años. Compré el CD (con el dinero de mi propia asignación) exclusivamente para el sencillo "Together Again", que quería escuchar una y otra vez. Pero The Velvet Rope es mucho más que un vehículo para una sola canción pop; de hecho, esa pista apenas refleja el resto del disco emocionalmente complicado, a menudo oscuro, introspectivo y sexualmente cargado. Es difícil escribir solo un párrafo sobre un trabajo tan multifacético. Incluso si se limita a sus opciones de composición, arreglos y producción dirigidas por Jackson, Jimmy Jam y Terry Lewis; o solo sobre su asombrosa variedad de temas líricos (duelo, abuso doméstico, placer sexual, celebración de lo queer, BDSM, SIDA, masturbación, relaciones en línea), sería difícil hacerle justicia en solo unas pocas oraciones. A pesar de ser una de las personas más famosas del mundo, recientemente le envié un mensaje de texto a mi amigo (y compañero devoto de Janet) el escritor Kelly Xio, Jackson "todavía no recibe suficiente crédito" (por dar forma al panorama moderno de cómo suena la música pop, qué cantan las estrellas del pop y la forma en que se relacionan con sus fans). Xio respondió: "Creo que las personas que importan saben que ella era la reina". Si bien todo su catálogo es rico y diverso, The Velvet Rope fue un punto de inflexión tanto para la capacidad personal de Jackson de "profundizar" como un hito para la diversidad de sonidos y temas que influyeron en el pop de los 90.

~ Katie Alice Greer

[Subterráneo Chemikal]

Young Team se titula acertadamente: es descarado e imperfecto y está salpicado de bromas internas. Es literalmente un montón de adolescentes jodiendo. Sin embargo, la música te rompe el corazón. "Tracy", por ejemplo, presenta dos muestras largas de las bromas de los miembros de la banda llamándose entre sí: una engaña a la otra para que piense que ha habido una pelea y que la banda podría tener que separarse. Honestamente, no es tan gracioso. Pero no sabrías que incluso estaban tratando de ser graciosos a menos que conocieras la historia de fondo. "Tracy" no suena como una broma, es lento y malhumorado. Capas de diáfano delay oscurecen las voces de los miembros de la banda como un velo. Suenan graves.

Young Team fue uno de mis álbumes favoritos cuando estaba en la escuela secundaria. Me lo ponía y me tumbaba en el suelo, miraba la pared, miraba la luz que se movía por el techo, miraba e imaginaba que era un niño escocés en 1997, pateando latas y liando cigarrillos melancólicos y engreídos. Era fácil dejarse atrapar por la fantasía. La música despegó las paredes y luego el mundo cambió de rostro. Podía permitirme un tipo de intensidad de la que no sabía que era capaz. Podría permitirme una especie de ternura. Me imaginé conduciendo por la noche con alguien a quien amaba, tocando "Tracy" una y otra vez, sintiendo lo mismo el uno por el otro que sentíamos por la canción. Y entonces eso realmente sucedió.

~María BC

[secretamente canadiense]

Pasé por múltiples fases de escuchar solo a Jason Molina, pero este álbum fue nuevo para mí y un descubrimiento emocionante. No está en plataformas de transmisión, así que he estado escuchando una carga de todo en YouTube, sin saltear. Su lanzamiento debut como Songs: Ohia, es íntegro en el mejor primer álbum. Molina es uno de dos de mis músicos favoritos que fueron a Oberlin, con una discografía que investigué mucho en la escuela en los mismos campos de maíz de Ohio. (Liz Phair es la otra). Las canciones de este álbum no tienen forma ni rima en mayor medida que los álbumes posteriores, son más serpenteantes que culminantes y menos directas que algunas de mis favoritas como "Riding with a Ghost" o "Lioness ." Se siente como si estuviera cantando para sí mismo, no para un oyente, con una falta de timidez particular de los primeros álbumes. Aunque solo tenía 23 años cuando lo grabó, la letra y la entrega transmiten una visión singular, segura, lenta y deliberada. Me recuerda a Joanna Newsom en la forma en que extrae detalles minuciosos de un pozo profundo y específico, haciendo que un momento y un lugar desconocidos se sientan claros y cercanos en muy pocas palabras. La escasez y la falta de sentido de una audiencia anticipada le dan al álbum una intimidad que las grabaciones posteriores cambian por un sonido más grande y una producción más ingeniosa. Me alegro mucho de haber encontrado este álbum, ¡gracias por mostrármelo!

~ Dena Miller, cazadora de ciervos

[Roswell/Capitolio]

Estoy escribiendo sobre The Color and the Shape de Foo Fighters pero en realidad estoy escribiendo sobre la canción "Everlong". Cuando Young Jesus comenzó alrededor de 2006, éramos adolescentes. Usábamos sudaderas con capucha de American Apparel a juego que nuestro amigo en el centro comercial bordó con Young Jesus en cursiva. Fumábamos Marlboro Lights, bebíamos cajas de Miller High Life. Tocábamos guitarras acústicas hasta las dos o tres de la mañana. Teníamos pedidos de Starbucks muy específicos. Escuchamos a Alkaline Trio, Brand New, Bright Eyes, Spitalfield, The Academy Is…, Piglet, Wilco, Arcade Fire y Foo Fighters. Solía ​​sentir vergüenza y vergüenza de esa versión de mí, de la banda. Nuestro sabor suburbano. Nuestros vaqueros ajustados. Nos tomamos muy en serio. Hice una versión de "Everlong" con una guitarra acústica en una revista universitaria de poesía con micrófono abierto DOS VECES. Usando mi sudadera con capucha de Young Jesus. Estábamos tomando drogas y perdiendo el conocimiento. Estaba triste y oscuro. Pero fue hermoso. Después de suficiente cerveza, nos abrazábamos y decíamos "Te amo". Gritaríamos "Everlong" en el auto y lloraríamos. No teníamos modelos para las emociones que sentíamos aparte de esta música de gritos. Intentamos vivirlo y perdimos mucho en el proceso. Algunos de nosotros nos hemos ido. Pero tuvimos algo de verdadera alegría, y aquí estoy mirando el lago Michigan, comenzando a recuperarlo. "Everlong" es una tangente en la historia, pero cuando la escucho a todo volumen, es toda la maldita cosa.

~John Rossiter, El joven Jesús

[Arriba]

No me gustaban estos tipos cuando oí hablar de ellos por primera vez. Fue durante mi segundo año de secundaria. Alguien muy cercano a mí era un gran admirador de ellos y me mostró este álbum. Inmediatamente encontré las canciones difíciles de entender y al borde de la alienación con su tema de "trailer trash". También me convenció de ver un documental sobre ellos en YouTube, que me pareció aburrido en su mayor parte. La única canción que realmente me gustó fue "Out Of Gas", que es probablemente la canción más sencilla y pegadiza del disco. Pero aparte de eso, simplemente no lo entendí. Incluso me molestó. Era identificable con él, no conmigo.

Corte a mí unos años más tarde, escuchando este disco en aviones, trenes y automóviles, todo el tiempo, en todo el mundo. Realmente hizo clic para mí cuando hicimos nuestra primera gira por los Estados Unidos en una camioneta, justo mientras conducíamos por el medio oeste nevado en pleno invierno, desde Seattle hasta Minneapolis. Me relacioné con eso. Lo tengo.

Esto me sucede bastante a menudo con muchos discos clásicos: necesito descubrirlo en el momento adecuado, de lo contrario, tendré una reacción intensamente adversa, que ahora he aprendido que es esencialmente lo mismo que estar locamente en amor con eso Y supongo que sucedió lo mismo con la persona que me presentó este disco en primer lugar. Espero que estés bien, y lo siento por ser un pedazo de mierda. Tenías razón, este álbum es impresionante.

~Orono, superorganismo

[Capitolio/Parlophone]

Creo que he escuchado este álbum más de 1000 veces. Me conecté perfectamente con este álbum en 1997 y aún recuerdo cuánto me preocupaba mi futuro en ese momento. Ahora lo escribo desde Berlín en Alemania mientras escucho "The Tourist". La vida es bella.

~ Takaakira Goto, MONO

[Deformación]

Era mayo de 1997 cuando yo, un imbécil de ojos maníacos de Salford, con las pelotas cayendo a regañadientes y el vello púbico brotando de todos los orificios, me mudé a Detroit/Düsseldorf, en el norte de Inglaterra, SHEFFIELD. Al llegar a Sheffield, rápidamente me di cuenta de que el centro de la ciudad (gracias a que Margaret Thatcher diezmó toda su industria) ya se parecía a las imágenes post-apocalípticas que se ven en la película 'Threads', y sus adustos habitantes, incapaces de ser capaces, simplemente estaban esperando que la Tercera Guerra Mundial los acabe!! Pero lo que a Sheffield le faltaba en prácticamente cualquier otra cosa que no fueran humoristas negros como el carbón y bailarines disco clínicamente deprimidos, lo compensaba con tener la tienda de discos (y sello discográfico) de música del futuro más progresista del país: ¡WARP RECORDS!

El primer disco que compré de allí, lo compré solo por el título: Work and Non Work de Heavens muy propio psychedelic /electronic/ sonic folk/ collage angels, BROADCAST! Desde la pista de apertura de "Accidentals" hasta "The Book Lovers", simplemente no había escuchado nada como ellos antes, extraños sonidos de sintetizador, tambores jazzy kraut-esque, guitarras difusas con sonido de los años 60, eco de cinta y efectos especiales. El sonido de los sueños reales hechos realidad. Lo que más me enganchó del disco fue la hermosa voz no ostentosa de Trish Keenan. Una voz para mí que está a la altura del gran Dios mismo, Karen Carpenter. Trish encontró sin esfuerzo ese punto ideal entre la banda sonora de The Wicker Man, las rimas infantiles súper melódicas y espeluznantes para niños y los grupos de chicas de los años 60 como The Shangri-las. No fue hasta 3 años después que descubrí que este era un álbum recopilatorio de los primeros sencillos y caras B, y luego Broadcast lanzó The Noise Made by People (su álbum debut propiamente dicho) y desde entonces han sido prácticamente mis El domingo por la mañana ve al artista de elección, Mi única iglesia de adoración.

~Adrian Flanagan, ÁCIDO KLAUS

[Un pequeño indio Records/Elektra]

Uno de mis videos favoritos de todos los tiempos es esta entrevista especial de televisión de Islandia con Björk en el estudio de su casa, una ventana a su mundo y su proceso de escritura. El espacio está mayormente sin amueblar, aparte de una pequeña plataforma que instaló en el centro de la habitación, donde se colocan una muestra, un sintetizador, una computadora portátil y monitores. Me imagino que aquí es donde hizo demos de la mayoría de sus primeros discos, y siempre me he relacionado con ese proceso de mantener un espacio despejado como para confiar en que las herramientas se convertirán en una extensión de tus ideas y viceversa. Escuché Homogenic por primera vez después de que Thom Yorke llamara a "Unravel" su canción favorita. No hay forma de describirlo más que decir que la canción se desarrolla magistralmente hasta que todo queda al descubierto o, como dice Björk, "nuestro amor es un ovillo de hilo". Escuchándolo, me sorprendió instantáneamente su capacidad para moldear a la perfección lo que solo se puede describir como ritmos volcánicos con arreglos de cuerdas delicados y aireados, y la forma en que sus canciones suenan tan grandes y, sin embargo, se sienten tan íntimas a la vez. La secuencia perfecta desde "Hunter" hasta "5 Years" es grandiosa y desgarradora, y su interpretación vocal es a la vez silenciosa y sonora. "Immature" contiene algunas de sus letras más identificables, pero a medida que la producción gira y se desarrolla, te das cuenta de que está cantando la misma estrofa de cuatro líneas una y otra vez con mayor intensidad, confesando su inmadurez al pensar que alguien más podría traer su satisfacción. 25 años después, estos sonidos siguen siendo una gran fuente de inspiración para mí debido a su combinación única del mundo natural y el sintético, un sonido que es tan exclusivo de Björk. Es puro drama y parte de su trabajo más confesional, y casi olvido lo abrumador que es hasta que vuelvo a él la próxima vez.

~Nisa

[wiija]

Me encanta la manipulación extraña, maravillosa y ligeramente psicodélica de los sonidos en este álbum. Todavía estoy asombrado por la forma asombrosa en que usan los sonidos encontrados en todo momento, junto con la amplia gama de influencias, la increíble producción y las partes de percusión con textura en bucle en las que felizmente puedes perderte.

El kit de batería suena tan presente: terroso, rico y grueso en la mayoría de las pistas. El álbum es edificante y alegre, multicultural con gracia y sin esfuerzo. Es tan genial por delante de la curva.

"Brimful of Asha" fue uno de los primeros sencillos que compré en CD. Simplemente me atrajo instintivamente como una pieza de composición de calidad y por el arreglo interesante. Mi CD tenía la versión original del álbum y también el remix de Norman Cook (que también me encanta).

El riff del sintetizador y la parte de tambores rodantes en "Funky Days Are Back Again" me hacen sonreír. La entrega vocal en esta pista es inusual y un ejemplo realmente brillante de una melodía vocal excelente.

El álbum es un interesante mosaico de referencias culturales, con gran detalle e inteligencia en la producción. Ha envejecido tan bien: un cuerpo de trabajo fluido y súper crucero que no ha perdido su ventaja después de 25 años.

~Ojos azul pálidoᐧ

ACID KLAUSaeon stationaphex twinaquaBeaconBjorkbroadcastbuena vista social clubcalexicochelsea roseChöying Drolmacircuit des yeuxcliniccornershopDeer Scoutdj eufóricoelliott smithfoo fightersganserGhais GuevaraGuided By VoicesHercules & Love Affairhorsegirlinterpoljanet jacksonJesca HoopJohn Tsungjonathan kanekatie alice greerlambchopM. Geddes Gengrasmac mccaughanmaria bcmartin wheelermasemodest mousemogwaimononaomi alligatorNightlandsNisaof montrealOneidaPale Blue EyespapercutsPolicaprimal screampiedra pómezRadioheadreprazentrhys chathamrobert wyattroni sizeshearwatersigur rossofi tukkercanciones: ohiasspice girlsspiritualizedstarsstereolabSteve Tibbettsestrictamente salón de baileSuperorganismofan adolescente clubthe bevis frondthe charlatansthe rangeThe Reds Pinks & Purplesthe sea and cakethe umlautsTim KinsellaVictoria CanalWeenWilder Makerwill sheffyo la tengoyoung jesus

Entusiasta de la música y obsesivo del vinilo. A menudo entra en detalles sobre su amor por X-Ray Spex y Bee Gees para completar extraños. Probablemente sabe menos de música de lo que cree.